Ein Fakultätsbeitrag von Dr. Emily Tucker

Das populäre Theater im Großbritannien des 19. Jahrhunderts zog ein enormes Publikum an und übte einen enormen Einfluss auf Schriftsteller anderer Genres aus. Leider hat es jedoch einen schlechten Ruf als „der Tiefpunkt des englischen Dramas „1. Abgesehen von Dramatikern des späten Jahrhunderts wie Oscar Wilde und George Bernard Shaw werden die meisten Autoren für die Bühne des neunzehnten Jahrhunderts nur noch selten in Hochschulkursen gelehrt oder in Theatern aufgeführt.

Okay, ich gebe zu, es gibt viel, was man nicht mögen kann, von konstruierten Plots bis hin zu politischen Botschaften, die in Sexismus, Rassismus, Kolonialismus und andere Probleme ausarten könnten. Doch wenn man bereit ist, sich durch einige gelegentlich schreckliche Texte hindurchzuwühlen, gibt es Momente von enormer Kreativität und Humor. Als Vorgeschmack auf meinen bevorstehenden öffentlichen Vortrag im Kolloquium des Englischen Seminars am 3. Dezember habe ich hier ein paar dieser Perlen für Sie gesammelt:

SurprisingFeminist Origins of the Train Tracks Rescue

Die aufregende Rettung einer an die Gleise gefesselten Jungfrau in letzter Minute gilt gemeinhin (etwas fälschlicherweise) als ein Klischee der Stummfilmzeit, kam aber auf der Bühne weitaus häufiger vor. Heutzutage wird das Klischee oft mit weiblichen Opfern assoziiert, die von Männern gerettet werden, aber das war nicht immer der Fall.

Die Rettung aus dem Zug wurde durch Augustin Dalys Stück Under the Gaslight von 1867 populär, ein amerikanisches Stück, das schließlich seinen Weg nach London fand. Es inspirierte viele andere Theaterstücke dazu, die Gefahren der Eisenbahn zu nutzen – tatsächlich gewann Daly einen Prozess gegen den berühmten irischen Dramatiker Dion Boucicault, nachdem dieser eine ähnliche Szene in sein Stück After Dark von 1868 eingebaut hatte.2

Underthe Gaslight zeigt ein männliches Opfer namens Snorkey, das an die Gleise gefesselt ist, während die Heldin Laura in einem nahegelegenen Schuppen eingesperrt ist, die Tür mit einer Axt aufbricht und Snorkey befreit, kurz bevor der Expresszug vorbeifährt. Die Szene endet mit dem dankbaren Snorkey, der ausruft: „Und das sind die Frauen, die kein Stimmrecht haben sollen!“

Eine Schwarz-Weiß-Illustration einer Frau, die dabei ist, einen Mann zu retten, der an die Gleise gefesselt ist, während sich in der Ferne ein Zug nähert (aus dem Jahr 1868)
Laura rettet Snorkey in letzter Sekunde! (1868)

Ausdrucksstarke Formen des Wütendseins für ein höfliches Publikum

Kreative Beleidigungen und emotionale Ausbrüche sind sicherlich nicht einzigartig für die Bühne des neunzehnten Jahrhunderts, aber die übergroßen Emotionen in Verbindung mit den bisweilen rigiden Genehmigungsstandards des Lord Chamberlain’s Office führten zu einigen besonders interessanten Beispielen.

Das Publikum des neunzehnten Jahrhunderts wurde mit Schimpfwörtern wie „rascallynight hawk!“ und „herring-guttedvillain!“ konfrontiert. In der Zwischenzeit gaben Bösewichte, die ihre bösen Pläne durchkreuzt sahen, dem Publikum manchmal eine verkürzte Version ihres eigenen psychologischen Zustands; in einem amerikanischen Stück, das für die britische Bühne adaptiert wurde, schrie ein frustrierter Bösewicht beispielsweise „Confusion!“

Bühnenadaptionen, die der Fertigstellung ihrer Quellen vorausgingen

Da viele viktorianische Romane als Fortsetzungsromane erschienen, konnte zwischen der Veröffentlichung der ersten und der letzten Kapitel eine beträchtliche Zeitspanne liegen. Dramatiker, die versuchten, aus populären, noch laufenden Romanen Kapital zu schlagen, waren daher häufig in der Lage, ihr eigenes Ende zu schreiben. Die Wissenschaftlerin Deborah Vlock stellt fest, dass es fünfundzwanzig Theaterfassungen von Dickens‘ Nicholas Nickleby gab, die vor der Fertigstellung des Romans produziert wurden, was zu dem führte, was sie als „eine größere Nickleby-Erfahrung“ bezeichnet.3

Die Verbreitung zahlreicher Versionen der Handlung und der Charaktere, während der Roman noch in Arbeit war, verschaffte dem Publikum des neunzehnten Jahrhunderts eine Art Vorläufer der heutigen Populärkultur, in der Buchserien, Film- und Fernsehadaptionen und von Fans geschaffene Werke alle zu unserer Wahrnehmung populärer Geschichten und Charaktere beitragen.

Viele Wortspiele

Komödiantische Theaterkost war sehr auf Wortspiele angewiesen, wie dieser Moment aus J. R. Plankes Das Goldene Vlies:

Chorus: Herr, ich bin der Refrain.
König: Sir, Sie sind unschicklich.

Henry J. Byrons Esmeralda oder die „Sensation“ Ziege, eine heitere Version des Glöckners von Notre Dame, enthält viele ähnliche Momente komödiantischer Wortspiele, wie z. B.:

Ein Dichter, der vom Lorbeerblatt zum Fliegen gezwungen wird,
‚Es ist ganz und gar nicht zu glauben

Das Stück verbindet auch „Mord“ mit „Oh, meine Seite!“ und „alles beleben“ mit „überhaupt eine Gefährtin.“

Humorvolle Versionen von Shakespeare

Das Publikum des neunzehnten Jahrhunderts fand oft eine Menge Humor in Shakespeares Stücken, und nicht nur in seinen Komödien. Der Shakespeare-Forscher Daniel Pollack-Pelzner argumentiert, dass komödiantische Versionen von Shakespeare-Stücken im neunzehnten Jahrhundert eine „alternative Literaturgeschichte“ bildeten, die Interpretationen von Shakespeare außerhalb der Betonung der Innerlichkeit ermöglichte.4

Viele viktorianische Shakespeare-Versionen, die als Travestien oder Burlesken bezeichnet wurden, sollten das Publikum unterhalten, indem sie die gehobene Sprache mit Albernheiten kontrastierten, wie etwa die Balkonszene von Romeo und Julia, die durch einen Schnupfen getrübt wurde. In dieser Fassung von Andrew Halliday aus dem Jahr 1859 taucht am Ende auch Königin Mab auf, um alle Figuren ins Leben zurückzuholen, damit sie Shakespeares Geist anschreien können!

Perdita oder Das königliche Milchmädchen, das lose auf The Winter’s Tale basiert, löst Shakespeares berühmte Regieanweisung für Antigonus, „von einem Bären verfolgt zu werden“, glücklicher auf als Shakespeares Stück: Anstatt auf der Bühne zu Tode zerfleischt zu werden, taucht Antigonus am Ende des Stücks mit einem großen pelzigen Freund auf, der nun anständige Kleidung trägt und tanzen gelernt hat. Leider hat diese Neuinterpretation der Rolle des Bären keinen bleibenden Eindruck hinterlassen – jede Inszenierung, die ich von Shakespeares Text gesehen habe, hat Antigonus seinem ursprünglich geplanten Unglück überlassen.

Dekorative Umrandung mit tanzendem Bären.

Diese Stücke werden selten oder nie für ein zeitgenössisches Publikum aufgeführt, oft aus völlig legitimen Gründen. Die vorhandenen Skripte geben uns jedoch einen faszinierenden Einblick in die populäre Unterhaltung zu dieser Zeit und enthalten viele Momente des Humors und der Dramatik, die Beifall verdienen.

Professor Tucker wird im Englischen Kolloquium am Dienstag, den 3. Dezember um 17:30 Uhr in VanderWerf 104 über „Charles Dickens & Victorian Melodrama“ sprechen. Professor McGunigal wird ebenfalls einen Vortrag halten. Pizza wird bereitgestellt. Alle von Hope sind eingeladen.

  1. Hadley, Elaine. Melodramatic Tactics: Theatricalized Dissent in the English Marketplace, 1800-1855, (Stanford UP, 1995), 2.
  2. Daly, Nicholas. „Blood on the Tracks: Sensation Drama, the Railway, and the Dark Face of Modernity“, (Victorian Studies, vol. 42, no. 1, 1998), 48-49.
  3. Vlock, Deborah. Dickens, Novel Reading, and the Victorian Popular Theatre, (Cambridge UP, 1998), 3.
  4. Pollack-Pelzner, Daniel. „Shakespeare Burlesque and the Performing Self“, (Victorian Studies, vol. 54, no. 3, 2012), 401.

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