Par Michael Ullman

Grâce à Octave et Mack Avenue Records, une partie importante de la carrière historique du pianiste Erroll Garner est de retour, sonnant mieux que jamais.

Erroll Garner Octave Remastered Series sur Mack Avenue Records. Dreamstreet (1959) ; Closeup in Swing (1961) ; One World Concert (1962) ; Campus Concert (1962) ; A New Kind of Love (1963) ; A Night at the Movies (1964) ; That’s My Kick (1966) ; Up in Erroll’s Room (1967) ; Feeling is Believing ((1969) ; Gemini (1971) ; Magician (1973) ; Gershwin and Kern (1964, 1965 et 1967).

Arts Fuse reviews of Erroll Garner’s albums Dreamstreet, Closeup in Swing, One World Concert, and A New Kind of Love.

Arts Fuse review of Errol Garner’s live performance recording, NightConcert

Il y a une backstory à ces 12 rééditions des enregistrements du pianiste Erroll Garner, listés ici dans l’ordre approximatif de leur sortie. Le premier de la série, Dreamstreet, a été enregistré pendant deux nuits consécutives en décembre 1959, quatre ans après l’enregistrement historique (et presque hystériquement populaire) de Garner chez Columbia, Concert by the Sea. Il a fallu deux ans pour que Dreamstreet soit publié et, lorsqu’il l’a été, le disque est apparu sur le propre label de Garner, Octave Records. Que s’est-il passé ? Garner avait décidé de se lancer dans la lutte « pour le contrôle de son propre catalogue ». Il s’opposait à Columbia Records, le géant du secteur – la société dont les enregistrements avaient fait de lui une star. C’était un geste admirablement audacieux de la part de Garner, mais l’autodétermination faisait partie intégrante de sa constitution.

Les notes de Dreamstreet ont été écrites par sa manager de longue date, Martha Glaser. Elles suggèrent (indirectement) ce que Garner avait traversé et les raisons pour lesquelles la bataille en valait la peine. On nous dit que Garner a gagné en ne rentrant PAS dans un studio : « Après une interruption historique de l’enregistrement, Garner est ici, jouant, avec la plus grande liberté de sa remarquable carrière d’enregistrement. Ces faces incarnent certaines des performances de Garner les plus fougueuses, inventives et émouvantes jamais enregistrées. Garner a bénéficié d’une liberté sans précédent pour enregistrer ces œuvres, une circonstance pour laquelle il s’est longtemps battu, en tant qu’improvisateur prolifique. Le temps n’était pas un facteur : il pouvait expérimenter, s’étirer et tout simplement « souffler », avec la certitude totale qu’aucun matériel ne serait publié sans son approbation personnelle ». Lors de la première des deux nuits d’enregistrement, lui et ses compagnons, Eddie Calhoun à la basse et Kelly Martin à la batterie, jouent de 22 heures à 6 h 30 le lendemain matin. Garner a manqué le studio. Et, pour une fois, le temps n’était pas un facteur.

Les légendes ont grandi autour de Garner, manifestement fougueux : il mesurait 5 pieds 2 et on disait qu’il se produisait sur une pile d’annuaires téléphoniques. (Une tour de papier qui n’est visible sur aucune des photos que j’ai vues de lui.) Le pianiste ne savait pas lire la musique, ou du moins il le disait, ce qui n’était pas forcément un défaut souhaitable à l’époque du bebop. Mais le fait qu’il « jouait avec sa tête » contribuait à le faire aimer des foules qui assistaient à ses concerts. Les fans aimaient aussi la façon dont il accompagnait ses improvisations de grognements vocaux. Il interagissait avec les auditeurs d’autres manières distinctement gagnantes. Lorsque j’ai acheté son album Closeup in Swing en 1961, ce qui m’a d’abord frappé, ce sont ses introductions musicales élaborées. Il commençait avec assurance et poursuivait longuement, mais souvent on ne savait pas du tout quel morceau il allait jouer. Lorsque, après une longue excursion, il atteignait enfin la mélodie familière, que ce soit « Just One of Those Things » ou « Sweet Lorraine », le public riait et applaudissait avec joie. C’était comme s’il jouait à faire coucou à un enfant – une relation amusante et espiègle s’établissait.

Il était indéniablement exubérant en tant que pianiste, donné aux accords qui trépignent, aux trémolos qui grondent et aux chutes soudaines de volume. Il aimait jouer des mélodies dans un silence. Sa main gauche égrenait un rythme régulier en 4/4 qui semblait toujours un peu précipité – comme s’il était en retard pour un train. Pendant ce temps, il inventait des mélodies, les interrompant par des bruits sourds et des gestes grandioses, des passages à double temps en octaves ou des lignes glacées sur une seule note. Il marquait la fin des chœurs par d’énormes crescendos, qui étaient inévitablement suivis d’une chute vers un pianissimo. Son style est fait de grands contrastes. Il commence « St. Louis Blues » (sur Closeup in Swing) par une série d’accords lancinants qui auraient pu être réalisés par un marteau-piqueur. Puis il énonce la première section du célèbre morceau de W.C. Handy en style latin. Puis il revient à un 4/4 encore plus agressif, au moment de la chanson où une chanteuse nous dit qu’elle déteste voir le soleil du soir se coucher.

Bien sûr, son répertoire comprenait ses propres compositions – il était le compositeur de « Misty » – mais il jouait surtout une succession de standards et de show tunes bien connus, comme le medley de Oklahoma on Dreamstreet. Il est célèbre pour avoir enregistré une session sur la côte ouest avec Charlie Parker, mais il avait tendance à éviter le répertoire bop ou hard bop : il serait difficile de ressembler moins à Bud Powell que Garner ne le fait. Pourtant, plus tard, à sa manière, il s’est emparé de quelques succès du jazz, dont « Watermelon Man » de Herbie Hancock et « The Girl From Ipanema » de Jobim (tous deux sur Up in Erroll’s Room). Dans l’ensemble, cependant, son répertoire aurait pu être joué par Louis Armstrong ou par un musicien de swing tel que Lester Young : de nombreuses chansons que l’on trouve ici ont été jouées par les deux. (Une exception est « Spinning Wheel » de Blood, Sweat and Tears, que l’on retrouve sur Feeling Is Believing.)

Garner est né à Pittsburgh en 1921. Il est décédé d’un problème cardiaque en 1977. Il était jumeau, mais la concurrence musicale sérieuse dans sa famille de six enfants était le grand frère Linton, un pianiste qui, en 1946, a commencé à enregistrer avec le célèbre Billy Eckstine Orchestra. À cette époque, Erroll, essentiellement autodidacte, après une mini-carrière de ce que Charles Dickens aurait appelé un enfant prodige, s’était installé à New York. Les premiers enregistrements qui nous sont parvenus ont été réalisés au domicile de Timmie Rosencrantz. Ils étaient autrefois disponibles sur Classics sous le titre Erroll Garner 1944 et 1944, Volume Two. (D’autres enregistrements anciens se trouvent sur le Complete Savoy Masters.) Son trio a connu le succès peu après son arrivée à Manhattan. Il se déplace. En 1945, il enregistre avec des groupes dirigés par Slam Stewart, Georgie Auld (avec Dizzy Gillespie) et, plus impressionnant encore, avec le saxophoniste Don Byas. Il déménage en Californie et enregistre avec le groupe progressif de Boyd Raeburn, avec un trio nouvellement reconstitué et, le 17 février 1947, il se produit avec le groupe de Charlie Parker qui a réalisé « Cool Blues » et qui a soutenu le chanteur en plein essor Earl Coleman sur « This is Always ». En 1950, il est signé par Columbia Records : ils réenregistrent son « Misty » avec un orchestre dirigé par Mitch Miller. Avec Columbia, il a fait un certain nombre d’enregistrements à succès, y compris Paris Impressions.

Néanmoins, dans les années 60, il était seul, comme il le souhaitait. Je doute qu’il ait jamais regardé en arrière. (Je ne suis pas sûr que je serais capable de distinguer son style Columbia de la façon dont il jouait pour son propre label, mais cela devait être différent pour lui). Ce qu’Octave a fait, c’est prendre 12 disques de Garner, les remasteriser de manière experte et y ajouter des morceaux inédits. Now Playing, One World Concert, Dreamstreet et Campus Concert sont des enregistrements en trio : sur Gemini, le trio est complété par José Mangual aux congas. Pour moi, le cadre du trio semble le plus naturel pour Garner – bien que sa section rythmique doive passer beaucoup de temps à attendre discrètement qu’il arrive aux morceaux. Dans A New Kind of Love, Garner joue (principalement) la partition du film du même nom. Le film met en vedette Paul Newman et Joanne Woodward, et la session met en vedette Garner avec un orchestre dirigé par Leith Stevens. L’arrangeur chevronné Pete Rugolo a réalisé certains des arrangements, comme dans la version de Garner de « Mimi ». Il est intéressant de noter que, peut-être parce qu’il est entouré d’un grand groupe, Garner semble moins excentrique ici, moins distinctif que sur ses albums en trio. Pourtant, il s’agit d’une belle collection d’airs, dont cinq ont été composés par Garner. L’idée était de mettre en valeur les compositions du pianiste, mais mon morceau préféré est le swing délicieusement doux de la chanson titre, « You Brought a New Kind of Love to Me », introduite dans le monde du jazz en 1930 par Ethel Waters. Cet air n’a jamais disparu, avec des enregistrements ultérieurs de Bing Crosby, Frank Sinatra et Peggy Lee. La version instrumentale de Garner est dans cette ligue.

Garner est de retour à son soi grognant sur That’s My Kick, devant un groupe qui comprend une guitare rythmique, de multiples percussionnistes et le bassiste vétéran Milt Hinton. J’aime beaucoup la composition pleine d’esprit de Garner, « Nervous Waltz ». Les premières notes que l’on entend sur Up in Erroll’s Room sont celles du bassiste, qui prépare le terrain pour « Watermelon Man ». Ici, Garner est rejoint par un chœur de cuivres. Dans une introduction, le pianiste semble faire un mambo de « I Got Rhythm ». Cette introduction est suivie de « True Blues », qui est frappante parce qu’elle souligne le peu de blues que Garner a enregistré. Feeling Is Believing met un grand bassiste, George Duvivier, dans un rôle de soutien, et offre une section rythmique élargie. Ils jouent un « Strangers in the Night » uptempo et, avec une délicatesse inhabituelle, le « Mood Island » de Garner. L’album Magician contient un autre blues remarquable, « It Gets Better Every Time », ainsi qu’une utilisation occasionnelle de l’orgue de Norman Gold. Enfin, il y a une collection de classiques américains, Gershwin et Kern, des airs enregistrés à divers moments dans les années 60 et rassemblés pour la première fois et publiés en 1976.

Grâce à Octave et Mack Avenue, une section importante de la carrière historique de Garner est de retour, sonnant mieux que jamais. Il est difficile de résumer son attrait. Garner est maniéré ; son style n’a pratiquement pas bougé une fois qu’il a été fixé dans les années 50. Pourtant, le pianiste s’amuse toujours et cette exaltation est contagieuse. Les auditeurs savent qu’il joue les meilleurs airs, et il le fait, comme le suggère l’un de ses titres, avec mucho gusto.

Michael Ullman a étudié la clarinette classique et a fait ses études à Harvard, à l’Université de Chicago et à l’Université du Michigan, dont il a obtenu un doctorat en anglais. Auteur ou co-auteur de deux livres sur le jazz, il a écrit sur le jazz et la musique classique pour l’Atlantic Monthly, la New Republic, High Fidelity, Stereophile, Boston Phoenix, Boston Globe et d’autres publications. Ses articles sur Dickens, Joyce, Kipling et d’autres ont été publiés dans des revues universitaires. Depuis plus de 20 ans, il rédige une chronique bimensuelle sur le jazz pour le magazine Fanfare, pour lequel il fait également des critiques de musique classique. À l’université Tufts, il enseigne surtout les écrivains modernistes au département d’anglais et l’histoire du jazz et du blues au département de musique. Il joue mal du piano.

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